The deer hunter (Michael Cimino) 1978

THE DEER HUNTER

(El cazador) Michael Cimino, 1978

Antes de que casi arruinara, en 1980, a Transamerica Corporation propietaria de United Artist con la que hoy ya es una película de culto: “Heaven'a gate” (“La puerta del cielo”), Michael Cimino había puesto ya su nombre en el firmamento del celuloide con “The deer hunter” (“El cazador”) en 1978, su obra maestra de crueldad y horror donde el sacrificio colorea todo en este clásico sobre tres reclutas del ejército de Estados Unidos, antes, durante y después de la guerra de Vietnam.

Interpretada por Robert De Niro, Christopher Walken, Meryl Streep, John Cazale, John Savage, George Dzundza y Chuck Aspegren, contaba con un guión de Deric Washburn a partir de una historia del propio Cimino junto al nombrado Washburn, Louis Garfinkle y Quinn K. Redeker.

La excelente fotografía corre a cargo de Vilmos Zsigmond, la edición es de Peter Zinner y la música pertenece a Stanley Mayers.

La cinta del realizador norteamericano no es exactamente un film bélico, sino que trata sobre la amistad. Sobre como la vida puede llegar a joder las cosas más hermosas que se han tenido. Algo así como la imposibilidad de recobrar el esplendor en la hierba, pero al mismo tiempo es un canto a la supervivencia.

Audaz y de brillante épica, nos relata como un grupo de amigos trabajadores de la siderurgia se preparan para ir a la guerra haciendo un viaje a las montañas a la caza de un ciervo, algo que para Mikey y Nick supone una vaga creencia de la vocación del cazador, austera y varonil, y que la muerte del venado es noble y ennoblecedora, a diferencia del horrible caos de la guerra en el sudeste asiático, donde son capturados y obligados a participar en una horrible ruleta rusa como culto a la muerte. Una secuencia que proclama asombrosamente que la guerra es deshumanizante y arbitraria. Tras la cacería, tres de ellos, Mikey (Robert De Niro), Nick (Christopher Walken) y Steven (John Savage), obedecen a la llamada del Tío Sam para luchar en Vietnam, dejando atrás esposas y novios, incluida la trabajadora Linda (Meryl Streep) que parece enamorada de al menos dos de ellos. Antes de irse asisten a la boda de Steven, una ceremonia en la que sin darse cuenta, se están despidiendo de sus viejas vidas. Unas vidas de ritmo lento que se ven envueltas en la cruda realidad de la guerra y los efectos psicológicos de un contraste tan impactante que les impide regresar a la sociedad.

El film se toma su tiempo con las escenas de abertura, la fábrica de acero y el salón donde tras el trabajo, van a tomar una cerveza, jugar al billar y cantar “I love you Bay-bee” junto al “juke-box” aún de día, el último día de sus vidas que les pertenecerá antes de Vietnam y especialmente con la boda y la fiesta. Todo esto hace que lleguemos a conocer a los personajes, que nos sintamos inmersos en sus vidas y que sus rituales y los de la boda se sientan como algo más que detalles étnicos.

De contrastes sorprendentes y sorpresivos, el film abre entre el calor infernal y los vapores sulforosos de las acerías de Pensilvania, donde amigos y compañeros de trabajo, Michael, Nick, Stan, Steven y Axel, soportan por poco dinero condiciones inhumanas noche tras noche. Son hombres duros y su recompensa semanal son las escapadas a las frías montañas, donde el billete al cielo tiene un precio fijo. Mikey rastrea y mata a un hermoso ciervo, como si la naturaleza misma tuviera que pagar su diezmo. Mikey cree que para abatir un ciervo solo hace falta un disparo, más de uno no es justo. Son los códigos, tal vez este no sea genial pero es el suyo.

Aparentemente estamos en un punto en el que se supone que disparar a algo significa algo.

Tras la boda, una secuencia de esponsales de 40 minutos que no nos reenvía a la trama, porque ya sabemos que pronto se desatará el infierno, los amigos, entre entusiasmados y exhaustos, descansan alrededor de un piano que toca el amado dueño del bar, George Dzundza. Débilmente, el ritmo de lo que suena como palas de rotor subraya la bonita melodía. Sin previo aviso estamos en otro mundo. Los helicópteros llueven “Napalm” en un bosque verde.

Si Dante sostuvo que el infierno se compone de siete niveles, aquí ya nos hemos deslizado varias etapas a la vez.

“The deer hunter” puede y debe leerse como un tratado épico sobre la resistencia y, en particular, como una muestra del espíritu indomable del hombre en un conflicto bélico. La narración, de casi tres horas se muestra como la clásica parábola humana, desde la felicidad de la boda hasta el blues del funeral. Cimino no toma partido a favor o en contra de la guerra y realiza uno de los ejercicios más impactantes emocionalmente jamás filmado.

La famosa secuencia de la ruleta rusa, donde los prisioneros de guerra Michael, Nick y Steven deben enfrentarse entre sí para divertir a sus captores del Viet-Cong, supone una de las escenas mas terroríficas y escalofriantes del séptimo arte. Esta sola secuencia ya auguraba que “El cazador” se convertiría quizás en el éxito de taquilla más improbable de todos los tiempos.

El juego de la ruleta rusa se convierte en el símbolo organizador de la película: Todo lo que puedas creer sobre el juego, sobre su violencia deliberadamente aleatoria, sobre cómo toca la cordura de los hombres obligados a jugarlo, se aplicará a la guerra en su conjunto. Es un símbolo brillante porque en el contexto de esta historia, hace que cualquier declaración ideológica sobre la guerra sea superflua. La brutalidad de la guerra y sus efectos dan sentido a la cinta incluso cuando se desliza al melodrama más salvaje, algo que el realizador interpreta en el contexto con el colapso de Saigón y la posterior retirada del ejercito del sudeste asiático. Así la ruleta resurge en la ciudad vietnamita, donde, según esta película, se jugó en arenas callejeras en lugar de pozos de peleas de gallos por grandes apuestas. Escenas explicitamente sangrientas, que nos plantea la cuestión de si tales representaciones vividas no se deshumanizan a si mismas.

La película de Michael Cimino es una película grande, incómoda, locamente ambiciosa y a veces impresionante, acercándonos a una epopeya popular como cualquier película estadounidense desde “The Goodfather” (“El padrino”) de 1972 dirigida por Francis Ford Coppola.

Es una actualización del sueño nacional después de la Segunda Guerra Mundial, cuando Estados Unidos alcanzó su punto más álgido de autoestima, y tras el Plan Marxhall y la posterior Guerra de Corea, tratando con personas que han crecido en la era de la televisión y madurado en la década de los asesinatos y la incredulidad.

Durante la primera hora el director expone con gran detalle lo que sucede en los estadounidenses cuando sus rituales se han convertido en recordatorios pintorescos del pasado, en lugar de las reglas del presente que ordenan la vida.

Más aterradora que la violencia, ciertamente más provocativa y conmovedora, es la forma en que cada uno de los soldados reacciona a sus experiencias en la guerra. La pasividad del director en cuanto a no tomar partido puede que muestre el verdadero horror en el centro de la vida estadounidense, siendo así más importante que cualquier cantidad de historias llenas de esperanza sobre la conciencia política elevada. ¿Qué les queda a estos veteranos? Sentimientos de confusión contenida, un deseo de hacer las cosas y, quizás, una apreciación más profunda por el amor, la amistad y la comunidad. Las grandes respuestas los eluden, al igual que las grandes preguntas.

El personaje de De Niro es el que de alguna manera encuentra la fuerza para seguir adelante y mantener a los personajes de Savage y Walken. Sobrevive al campo de prisioneros y ayuda a los demás. Finalmente a la vuelta, ya en su casa, lo vemos rodeado de un silencio que nunca podemos penetrar. Conmovido vagamente por el deseo del niño que más de uno dejó atrás, pero no actúa con decisión. Él es un héroe, saludado tímida y torpemente por la gente de la ciudad. Demora mucho tiempo para visitar a Savage en el hospital de veteranos, tras perder las dos piernas. Es allí cuando se entera que Walken sigue en Vietnam. Le había prometido, en una noche de borrachera a la luz de la luna bajo un aro de baloncesto, la noche de la boda, que nunca lo dejaría en Vietnam. Ambos están pensando romántica e ingenuamente, en la muerte de los héroes, pero ahora De Niro regresa en un contexto completamente diferente para recuperar a su amigo vivo. La promesa era algo adolescente, pero no queda adolescencia cuando éste encuentra a su amigo todavía en Saigón, jugando a la ruleta rusa profesionalmente.

Es una película devorada por sus grandes actuaciones. Una luminosa Meryl Streep en uno de sus mejores trabajos y siendo ya una referencia por sus excelentes actuaciones en los escenarios de Broadway, y que aceptó su papel de reparto para poder rodar junto al amor de su vida John Cazale en su última pero excelente y memorable aparición cómo el clásico neurótico del bar que en cualquier momento puede salirse cual rockero. Un avance del ganador del Óscar, Christopher Walken, el buen trabajo de John Savage y un De Niro siempre central, sin la expansividad de sus personajes con Scorsese, mostrando un héroe enigmático, estoico y completamente “Nietzscheniano”

Hubo huelgas cuando el impactante drama de guerra de Michael Cimino se estrenó en el Festival Internacional de Berlín de 1979. En un momento en que el grupo liberal de escritores Pinko Hollyweird producía películas explícitamente anti-bélicas como, “El regreso” o “Hair”, la cinta “The deer hunter” era firmemente conservadora. La marca de la película estadounidense que ondeaba la bandera y la representación del Viet-Cong como brutos “numbskull” (cráneos entumecidos) resultaron incómodos para los delegados del festival provenientes del bloque soviético, aunque eso no significa que el realizador rehuya representar durante las tres horas épicas de duración, los horrores del combate o el horrible destino de Nick.

Hay muchos momentos inolvidables e imborrables gracias a la fotografía de Vilmos Zsigmond. La actuación ganadora del Óscar de Walken es de una belleza que emociona. ¿Y quién podría pasar por alto esa ominosa gota de vino en el vestido de la novia, o la versión agridulce final, aunque no del todo satírica, de God bless America?

“The deer hunter” es una película agotadora, una experiencia perturbadora, tanto una prueba de resistencia para el público como para el elenco y el equipo que libraba una guerra privada durante el rodaje en Thailandia, y sin embargo, desde el tema musical justamente omnipresente hasta la rica y lírica cinematográfica, acaba siendo una cinta enorme, aunque mayormente melancólica de gran belleza. Como tal, contiene un poder bruto para moverse, y en algunos casos, cebo, audiencias a extremos de emoción casi incomparables. Un intento asombrosamente ambicioso de cubrir una herida en la psique estadounidense, aún fresca y llorosa todavía, 25 años después.

A pesar de su influencia dramática, “El cazador”, es un film ferozmente reaccionario definido por hombres varoniles y actividades al aire libre. A pesar del escenario de fines de la década de 1960, la película se remonta al militarismo de Eisenhower al tiempo que anuncia los entrantes años de Reagan. 

“The deer hunter” Merece ser reclamada como uno de los tratados humanistas más poderosos jamás filmados.

Hasta aquí la sesión de hoy. Hasta la próxima ocasión os deseo buen cine...y mucha suerte.

"O sabor das margaridas"

Lección de Netflix a las televisiones españolas. Una serie en gallego arrasa en el extranjero.

La llegada de plataformas como Netflix ha alborotado el mercado audiovisual. Lo ha puesto patas arriba a diferentes niveles. Algunos, obvios, con series como 'Narcos' o películas como "El irlandés", verdaderos imanes de público y que han cambiado para siempre los hábitos de consumo televisivo. Otros aspectos afectan en productos a más locales, pero no por eso son de menos calidad y sobre todo, de menos interés para el gran público. Y cuando decimos gran público, es así. Millones de espectadores de todo el mundo enganchados a productos que, en el caso de las teles españolas, han sido descartados por presentar una característica que demasiado a menudo se convierte en un estigma en España: haber sido grabadas en su idioma original, que en el caso del estado quiere decir que se escucha catalán, vasco o, en este caso, gallego.

Hablamos de 'O sabor das margaridas', un thriller donde se habla gallego, pero que 'sin embargo' cautiva a ingleses, chinos, españoles o noruegos.
La serie, descartada por televisiones y productoras estatales (menos, evidentemente, por TVG, que ya la estrenó el año pasado) por falar galego, fue adquirida por Netflix, incluyéndola en su catálogo y ofreciendo subtítulos para que llegara a espectadores de 180 países. El resultado: un éxito internacional abrumador. Por ejemplo, en el Reino Unido e Irlanda, donde es la séptima más vista. Revelador. La gran acogida del producto, a pesar de no "hablar en cristiano", que dirían algunos, ha catapultado la serie, que registra la segunda temporada. La lección al mercado audiovisual español, donde los prejuicios y el rechazo a las lenguas cooficiales son crónicos, es legendaria.
En el caso catalán, Netflix ofrece productos tan conocidos como Las de l'hoquei, Cites, Benvinguts a la família o la más triunfante de todas: Merlí. Incluso Movistar se tuvo que rendir a la evidencia, y ha comprado el spin off protagonizado por Carlos Cuevas. Quizás sea que el idioma no importe tanto, si el producto es de categoría. El resto, manías y tics que revelan ignorancia y falta de respeto. Ahora sólo queda que la plataforma dé un paso más y ofrezca sus servicios atendiendo a su lengua al público catalán, gallego o vasco. Pero Cada paso suma. ¡Moitas grazas!



(Fuente: El Nacional Cat.)

"A GENIOUS AT THE TOP OF THE HILL"
(Tribute to SAMMY DAVIS Jr.)

Salvatore Giuliano (Francesco Rosi) 1962

“SALVATORE GIULIANO”

FRANCESCO ROSI, 1962

En 1962 el director italiano nacido en Nápoles, Francesco Rosi, estrenó, para mi, su mejor película: “Salvatore Giuliano”.

Fue rodada en la localidad siciliana de Montelepre, donde nació Giuliano, en sus casas, caminos y montañas donde reinó durante seis años. En la casa de Castelvetrano donde el fugitivo pasó sus últimos meses, y en el patio donde una mañana se encontró su cuerpo sin vida.

Cuenta con un guión del propio realizador junto a Susso Cecchi d'Amico, Enzo Provenzale y Franco Solinas, la fotografía corresponde a Gianni di Venanzo y la música la firma Piero Piccioni

El reparto lo conforman: Frank Wolff, Salvo Randone, Federico Zardi, Pietro Cammarata, Fernando Cicero y Giuseppe Teti.

El film del director Francesco Rosi y por el que fue galardonado con el Oso de Plata al Mejor Director en el Festival de Berlín en 1962, presenta una biografía de Salvatore Giuliano (1922-1950), un mítico bandido e independentista siciliano, aunque al director, le interesa más centrar la atención sobre los endémicos problemas de la isla, sobre las relaciones entre mafia, bandolerismo, poder político y poder económico, algo que los italianos suelen denominar el “problema meridional”, y es entonces que la vida de un célebre bandido se convierte en la mejor excusa para escarbar en las raíces de la vida italiana, a manos de un director y una cinta que fue encumbrada como la obra que inauguró la corriente de cine político italiano y de la que Rosi es, además, uno de sus principales exponentes y que únicamente se puede entender como una de las derivadas de la inagotable fuente formal y temática que supuso el neorrealismo italiano.

La película “Salvatore Giuliano” es la historia, contada en forma semi-documental, empleando actores no profesionales, utilizando localizaciones reales, y con un narrador, el propio realizador, que contextualiza los hechos, de la insurrección armada que promovió este hombre y de las contradicciones que terminaron por aliarse con el ejercito y la mafia, una trinidad indivisible como la llamará Gaspare Pisciotta, uno de los lugartenientes del bandolero y que fue también uno de los procesados, mientras el propio líder de la banda, no se encontraba en los estrados judiciales junto a sus compañeros. En la primera escena del film lo vemos boca abajo, con disparos en su cuerpo, asesinado. Es el 5 de Julio, Giuliano tenía 27 años. Un cadáver acribillado a balazos yace en un patio de Castelvetrano, porta una pistola y hay un rifle a su lado. La prensa local e internacional aparece en escena con la esperanza de revelar la verdadera historia detrás de la muerte de este joven, que a pesar de su juventud ya se había convertido en el héroe criminal y célebre más buscado de Italia. Al empezar con su muerte, Rosi estructura la película en dos partes, primero con un elaborado y complejo “flashback” que va a reconstruir las andanzas del bandido por boca de los que lo conocieron, volviendo una y otra vez al levantamiento del cadáver, a su féretro y a su madre llorándolo, a partir de aquí Francesco Rosi dejará el relato atrás para concentrarse en el juicio de sus hombres. Tanto en su muerte como en la masacre de Portella della Ginestra, crimen del que son acusados, hay dudas sobre los autores materiales e intelectuales y el director se esmera en mostrarnos las posibles teorías que se manejan al respecto.

El propósito del realizador es político, su film quiere denunciar el modo en que Giuliano fue explotado: “A los limones primero los exprimen y luego los tiran”, afirma un abogado en la película, y su beligerancia aprovechada por los terratenientes, los monárquicos, las fuerzas de derechas, la mafia y el ejercito. Edificando sobre hechos históricos, cuya veracidad no podían negar ni los oponentes de la visión izquierdista del director, éste rechaza tanto la presentación documental y no comprometida de los hechos, como la narrativa completamente ficticia, y por ello recurre a ellos, algo que implicó un trabajo de archivo previo e investigación de documentos oficiales, notas de prensa, testimonios en el juicio, etc...y que lleva a Francesco Rosi a hacer un cine de ficción documentado, según él mismo calificó.

Centrado en realizar un auténtico fresco socio-político de una época y un lugar para mostrarnos a través de la figura del tristemente célebre Salvatore Giuliano, que ejerció un reinado protegido por la omertá, la pasión y el terror en las montañas de Montelepre, en el corazón de Sicilia, después de ser entronizado por las fuerzas separatistas y ser utilizado posteriormente abandonado a su suerte por los mismos políticos una vez en el poder, Francesco Rosi utiliza un recurso tan radical como efectivo: no muestra en ningún momento el rostro del bandido en vida, convirtiéndolo así en un personaje sin identidad, fantasmagórico, prácticamente intangible, una idea que refuerza la imagen de su silueta desplazándose por los vastos paisajes con su sempiterna gabardina blanca. No ocurre igual con el cuerpo del personaje una vez hallado muerto al inicio de la cinta. La cámara realiza una auténtica autopsia del cuerpo sin vida del bandolero mientras escuchamos la voz de un funcionario que levanta minuciosa acta del acontecimiento. El cuerpo del fantasma se hace tangible una vez muerto y el poder ya lo ha dominado. Rosi mistifica su figura convirtiéndole en un personaje con evidentes consonancias religiosas, reproduciendo el cuadro de Andrea Mantegna “Lamentación sobre Cristo muerto” en el plano del cadáver de Salvatore Giuliano en el cementerio, justo antes de ser enterrado.

Francesco Rosi realizó la “voz en off” él mismo, y estructuró la película en torno a la muerte del bandido. Giuliano es visto como un cadáver en la primera secuencia, con un funcionario leyendo una descripción detallada de su muerte. Esto no nos da ninguna pista sobre las preguntas que queremos responder, una estratagema deliberada del director que nos obliga a pensar por nosotros mismos a medida que avanza la película. Tan sólo nos proporciona evidencias, a menudo elípticas, pero el resultado es un estudio fantástico, no sólo de los tentáculos del crimen, sino de todo un estilo de vida. El director permite a los espectadores hacer su propio trabajo de detective, al tiempo que con esta cinta emblemática de 1961 congela un momento socio-político entre la anarquía y una posibilidad genuina de cambio.

Raramente vemos a Giuliano, pero podemos rastrear sus movimientos usando la radio de campo; observamos los toques de queda impuestos con la esperanza de atraparlo; esquivamos los disparos desde una ladera adornada con una bandera estadounidense; y seguimos a las tropas a su pueblo, donde los hombres son detenidos.

La narración del director mantiene unido este retrato complejo y fragmentado de la relación entre los ciudadanos de Sicilia, la mafia y los funcionarios del gobierno. Esto es lo que hace mejor a Rosi quién una vez fue descrito por el crítico Derek Malcom como “la conciencia pesada del cine italiano”. El director napolitano junto al romano Goffredo Alessandrini realizaron en 1952 un film biográfico sobre Anita Garibaldi, una comunista marxista comprometida en “Camicie Rosse” (“Ana Garibaldi”), interpretada por Anna Magnani, donde describen la corrupción italiana con mas fuerza que cualquier otro cineasta. Las representaciones fílmicas de Rosi ayudaron a dar forma al género moderno de “gangsters”, y la sombra de su obra se extiende por el libro “Gomorra” de Roberto Saviano en particular. “Salvatore Giuliano” marca una encrucijada para el director y para el cine italiano. Su neorrealismo se remonta al cine clásico italiano de la década de 1950, pero la película también hace un gesto hacia el oeste con el contemporáneo Jean Luc Godard, hacia el sur hasta “La batalla de Argel” rodada en 1966 por Gillo Pontecorvo y hacia el carnavalesco de Fellini, quién con una secuencia que representa un pueblo de mujeres chillando mientras acusa a las autoridades no parecería fuera de lugar en “Amarcord” de 1995. La utilización de actores locales no profesionales que trabajan en el lugar donde el bandido vivió 11 años antes, prestan un brillo etnográfico y una crudeza, no muy diferente del hecho y la posguerra de “Roma, città aperta” que realizó Roberto Rossellini en 1945.

Más tarde dirigió “Lucky Luciano” de 1973, una historia de la mafia más convencional, y películas como “Il caso Mattei” de 1972 y “Cadaveri eccellenti” en 1975, dossiers sobre el poder y la corrupción que se basaban en un estilo mucho más ornamentado y la brillantez de actores como Gian Maria Volonté o Lino Ventura que las mantenían con su considerable elocuencia.

Francesco Rosi nos propone una disyuntiva entre la vida salvaje, no carente de cierta pureza, del bandolero Giuliano, plasmada en majestuosos planos generales del territorio en el que impera su reinado y la turbia actuación del poder político, ya sea a través de los indescifrables entresijos de la justicia, como los planos del juzgado abarrotados de abogados, testigos, procesados y espectadores o descendiendo literalmente al subsuelo en el que se establecen las alianzas prohibidas en la secuencia en la que el jefe de policía se reúne con uno de los capos de la mafia para negociar la entrega de los hombres de confianza del bandido. “Giuliano se ha convertido en un problema incluso para nosotros”, argumenta el capo Don Nunzio para justificar su alianza con las fuerzas policiales, una idea que Fritz Lang ya había apuntado de forma magistral en “M, el vampiro de Düsseldorf” de 1931, y que propiciará la traición final del hombre de confianza de Giuliano, Pisciotta, un magistral Frank Wolf, en una secuencia que plasma de manera definitiva las turbias maquinaciones de las fuerzas del orden, algo que vemos en la oscuridad de una pequeña y vieja habitación donde Pisciotta se enfrenta a Giulianno, del que únicamente escuchamos su voz lacónica reprochándole su traición, en una nueva e inevitable referencia religiosa, mientras el jefe de las fuerzas policiales acecha desde el exterior para consumar su cacería.

En su alegato final antes de ser dictada la sentencia, el abogado que defiende a la banda afirma: “Portella della Ginestra no es más que un episodio que ha generado toneladas de tinta y de publicidad, pero después de una minuciosa investigación judicial, después de largos meses de proceso, nadie ha comprendido la verdadera naturaleza del aquél trágico suceso. Porque, Su Señoria, para comprender cómo un ladrón puede convertirse en gran elector y, mediante sus gestas, asustar a los miembros del gobierno y del parlamento, debemos antes tener valor para exponer la triste vida de la miseria, de la ignorancia, del feudalismo soportado por esta pobre gente, las múltiples formas de manipulación política, la cara de la mafia. Antes debemos tener valor para exponer todo esto”, refiriéndose a la masacre de Portella della Ginestra y cerrando con una declaración : “En mi opinión usted no puede inventar sino interpretar...Esto es lo importante para mi, la interpretación de los hechos”. Unas palabras que resumen además el credo de la película, sus intenciones de brindar una explicación que le pueda hacer justicia a la figura de Giuliano, bien sea justificándolo o desacralizándolo, y a los hechos de ese nefasto 1 de mayo.

Este quinto largometraje del autor es una innegable adscripción neorrealista, un formidable retrato de una sociedad, la siciliana, en permanente tensión entre la situación de subdesarrollo, la corrupción de sus clases dirigentes y la violencia ejercida por parte de la mafia sobre sus habitantes. “Salvatore Giuliano” nunca ha sido mejor como una interpretación de la historia sin recurrir a una súplica especial. Es como si el cineasta estuviera retrocediendo y proporcionando pistas que tenemos que interpretar nosotros mismos. Esto es algo que Hollywood nunca haría, y justifica el cine europeo tanto como cualquier otra película de lo que ahora parece un período dorado.

Para Francesco Rosi el cine comprometido social o políticamente debe brindar una investigación, una indagación de los lazos entre el pasado y la realidad del presente, por ello construye un potente lienzo de ese realismo social, un cuadro, sin embargo, incompleto. La verdad esquiva no le permite concluirlo.

El director, fallecido en 2015, se retiró del cine después de su adaptación de las memorias de Primo Levi con “La tregua” en 1997. Su rigor intelectual se echa mucho de menos en el séptimo arte.

Así terminamos esta nueva sesión en El diván de Louis Cypher hasta una nueva visita . Mientras tanto solo desearos buen cine...y mucha suerte.