"Lenny" (Bob Fosse, 1974) (Teaser)

"LENNY" (Bob Fosse, 1974)  (Teaser)

Vídeo-artículo completo en:

https://www.youtube.com/watch?v=qGLHwjw3VEc&t=2s

https://www.youtube.com/watch?v=zDYvOBAaA6k&t=4s

The Quiet Man (John Ford) 1951

“THE QUIET MAN”

(El hombre tranquilo) John Ford, 1951

John Ford, hijo de padres irlandeses de primera generación, nace en 1894 en el norteamericano estado de Maine. Fue bautizado como Sean Aloysius O'Feeney, y se le ha asimilado completamente en el mito cinematográfico estadounidense, de forma que su herencia irlandesa a veces no se reconoce. El hombre que pronto se convertiría en sinónimo del público por su marcado apellido norteamericano, Ford, pasó la mayor parte de su temprana carrera en Hollywood acumulando buena voluntad al convertir el producto de estudio en un esfuerzo por realizar proyectos más personales, nominalmente biográficos, con perspectivas comerciales menos inmediatas.

Tras despegar rápidamente con dos obras estrechamente sostenidas a mediados de los años 30, “The Informer” (“El delator”) de 1935 y “The plough and the stars” (“El arado y las estrellas”) en 1936, pasaría bastante tiempo hasta que el director pudiera realizar su siguiente proyecto de verdadera pasión, una adaptación de una corta historia de Maurice Walsh titulada “The Quiet Man” (“El hombre tranquilo”) de 1951. Tardaría 16 años en llegar finalmente a buen término. Sin embargo, la espera resultaría beneficiosa para el cineasta, quién tras salir de algunos de sus westerns más queridos como “The Wagon Master” y los tres que conforman su trilogía sobre la Caballería, “Fort Apache”, “She wore a yellow Ribbon” y “Rio Grande”, había madurado, en medio del tiroteo, un cineasta poco común, de gracia y profundidad romántica.

John Ford, admitía que había estudiado asiduamente a los irlandeses durante cuarenta años, que no sabía nada sobre ellos y que nunca había conocido a un irlandés con el que pudiera estar de acuerdo. Todo ello, aparentemente, no tiene ningún sentido. Porque es obvio que para rodar el film “The Quiet Man” tuvo que viajar a la “Isla Esmeralda” con alguno de sus veteranos colaboradores. Posteriormente reclutó a algunos incondicionales del Abbey Theatre antes de encender las cámaras Technicolor para rodar una historia emocionante y de paisaje verde y húmedo para presentar esa imagen tan cariñosa del lugar.

Es indudable que el director y su escenógrafo habitual, Frank S. Nugent, utilizaron la historia de Maurice Walsh para llegar a un diálogo que es tan melodioso como la canción de una alondra y se divierten mucho con ello.

John Ford esperaba adaptar la historia del “Saturday Evening Post” del mencionado Maurice Walsh como una producción independiente en 1937, antes de que los problemas de financiación frustraran sus planes. Eso le decidió a hacer del rodaje en 1951 una ocasión especial, después de firmar el desalentador documental de guerra “This is Korea”.

Al volver a la comunidad que había visitado con frecuencia cuando era niño, Ford se permitió su nostálgico sentido del regreso al hogar, encontrando trabajo para los hijos de John Wayne, los hermanos de Maureen O'Hara y al hijo de Victor McLaglen como asistente de dirección, así como su propia descendencia y hermano Francis, quien estaba haciendo la penúltima aparición en las películas de John Ford. Incluso los hermanos Barry Fitzgerald y Arthur Shields se reunieron con viejos amigos del Abbey Theatre.

Pero aunque muchos críticos la elogiaron como una encantadora porción de fantasía caprichosa irlandesa, “The Quiet Man”, representó una inversión del claro mensaje social de “How green was my Valley”. Ciertamente había un montón de bravura varonil familiar desde las secuencias de la trilogía sobre la Caballería de Ford, y así la secuencia de de la pelea entre Wayne y McLaglen atronando a través de la aldea, permaneció entre sus escenas mas recordadas.

Sin embargo, había una sensación real de la salvaje simplicidad de la vida en el condado impecunioso, y aunque los problemas de la década de 1920 fueron minimizados, las tensiones entre las diferentes agrupaciones sociales y religiosas, aún se mantenían bajo la superficie en las portentosas imágenes en technicolor de los oscarizados Winton Hoch y Archie Stout.

Ford también expuso la represión hipócrita impuesta por la Iglesia Católica, pero guardó su ira especial por la brutalidad a penas reprimida de “Sean Thornton”, que no solo le hizo matar a un hombre en el ring, sino que también inspiró su actitud chovinista hacia “Mary Kate”. No en vano, tal grosería también tenia la intención de simbolizar la insensibilidad estadounidense a las costumbres y prácticas locales, ya que se animó a su autodenominada tarea de vigilar el mundo.

Frente a tener que interpretar a un títere para un elenco de ladrones de escenas nacidos de manera natural, Wayne siempre contó con esa muestra de incivilidad emocional y cultural entre sus tareas más difíciles. Sin embargo, fue ignorado por la Academia, mientras el realizador de Maine recibía su cuarto y último premio al Mejor Director.

No es una historia complicada lo que se cuenta. Es meramente la historia de “Sean Thornton”, que nació en Inis-free, fue a Pittsburgh, donde se convirtió en una mano de molino de acero y un luchador premiado y donde mató a un hombre en un combate de boxeo, una casualidad que lo llevó de regreso a su lugar de nacimiento buscando paz mental y tranquilidad. Así, con la esperanza de comprar la cabaña donde nació, también pretendida por su futuro cuñado, llega en el tren, que siempre llega dos o tres horas tarde una suave mañana de primavera.

A partir de aquí deberá enfrentarse a la más linda muchacha del condado y a “Will Danaher”,su hermano terrateniente, un escudero frustrado en su cortejo de la rica viuda “Tillane”. Es obvio que nuestro héroe se enamorará de “Mary Kate” y que el susodicho “Danaher” se interpondrá en el camino. Pero a través de los buenos oficios de un astuto agente matrimonial, el sacerdote, el vicario y la gente del pueblo, ansiosos de ver caer a “Will”, el protagonista acabará por llevarse a la novia.

Sin embargo este no es un buen romance, no es el punto que Ford y compañía están tratando de hacer. “Sean” no esta familiarizado con las costumbres irlandesas que requieren que una joven llegue hasta un hombre con una dote. Y, obviamente, un hombre que no luchará por la dote de su esposa, no es un hombre en absoluto. Ese uso acentuado y cómico del maestro Ford de esas costumbres en su película, son las que otorgan su verdadera esencia al film. El cortejo de la pareja, bajo la atenta mirada del casamentero, es una comedia baja pero encantadora. La escena en la que “Mary Kate” intenta verter sus problemas en el oído del padre “Lonergan”, que acaba de enganchar el salmón que ha estado tratando de pescar durante años, es explosivamente divertida, y la lucha culminante entre “Sean” y su musculoso cuñado es cursi pero tan larga y completamente satisfactoria como cualquier “Donniebrook” que se haya proyectado. Toda una feria. El hecho de que todo el pueblo esté apostando sobre quién será el vencedor, con tiempo para un par de pintas en el pub de “Pat Cohan”, le da un encanto nativo, al igual que la amistad familiar que sigue a la batalla.

Esta extravagante comedia irlandesa esconde algunas ironías duras en su recreación brumosa y nostálgica del sueño de un exiliado. Pero el tema de la ilusión/realidad que subyace en el regreso del boxeador inmigrante, interpretado por John Wayne, llegado de Estados Unidos al condado de Galway y que se involucra en un cortejo de domesticación de una Maureen O'Hara de pelo en llamas, y un maratón de feria con su truculento y reprimido hermano, McLaglen, prontamente le lleva a una inmersión escénica dentro de una comunidad vibrante de carismáticos irlandeses. Ford lo describiría gnoticamente como “la imagen más sexy jamás hecha”.

Con excelentes efectos visuales de verdes prados, campos labrados y arroyos de la aldea de Cong del condado de May, así como otras áreas de Eire, y dado el sentimentalismo del realizador, adorna la escena y la historia con suficientes aires para hacer que incluso un tenor lleno de poder alcance el “Do mayor”. El tema “The wild colonial boy” debería hacer que los ojos de los hombres más duros se empañen, y “Galway Bay” y “The young may moon” también deberían alegrar el corazón.

El director había creado un grupo estable de actores con raíces tan lejanas que resultaría esencial para preservar el matiz cultural de la historia, salvo John Wayne, quién en ese momento era un icono y formaba un paquete con Ford. Por supuesto, John Ford no filmó “The Quiet Man” en Irlanda en su totalidad, pero su elenco actúa como si nunca hubieran estado en ningún otro lugar. John Wayne es un hombre tranquilo que se convierte en un ciudadano iracundo que arrastra a su esposa a través de los verdes y húmedos campos para demostrar su amor. Maureen O'Hara, es hermosa como su amor de cabello rojizo y con un temperamento ardiente que combina con sus trenzas. Un sublime Barry Fitzgerald, está excelente como el corredor de apuestas y bromista constante, que tiene la garganta siempre seca . Victor McLaglen, estupendo y efectivo, como el fuerte hermano mayor de cabeza porcina, mientras Arthur Shields, como el vicario; Ward Bond, como el padre “Lonergan”; Mildred Natwick, como la viuda “Tillane”, y todos los actores del Abbey Theatre encajan perfectamente en la historia como una mano agarrando un vaso. Desde Ford hasta el último de los participantes en el elenco están enamorados de Irlanda, eso se nota, y nos regalan una pieza inolvidable del séptimo arte.

En un acontecimiento poco común para la época, la acción exterior de la cinta se filmaría en exteriores, en Irlanda, siendo la primera producción de Hollywood en viajar a la verde isla. En “The Quiet Man” encontramos a un Ford refinando muchas de las preocupaciones temáticas que le habían interesado durante la última década, incluido el intento de un hombre por reconciliarse con un pasado violento y la consecuente búsqueda del amor frente a la oposición social y personal. Un hombre que regresa a su Inis-free natal con la esperanza de recuperar la granja familiar de su juventud, pero que pronto se enfrentará a unas luchas individuales, ligadas en parte a su comportamiento estadounidense asimilado, que debe enfrentarse de cara a su ascendencia, ahora transformadas en grandes dramas domésticos de naturaleza romántica y masculina.

Esta comedia fanática y sentimental de Ford, ambientada en el campo irlandés, y tras las vistas panorámicas y áridas que el realizador había convertido en una firma visual durante las décadas anteriores, se trasladan aquí a la exuberante extensión rural de la tierra natal de sus antepasados, a todas las colinas ondulantes y a los majestuosos horizontes, y es tanto una aventura antropológica como una rapsodia romántica. Profundamente enredada, más allá de lo esperado, en las costumbres locales, incluidos los ritos formalizados del cortejo. De hecho, el protagonista, descubre que la tradición llega hasta el lecho conyugal, ya que la segunda mitad de la película gira en torno a la consumación del matrimonio y la violenta batalla por el honor familiar del que depende.

Ford dispara en su escala típicamente épica pero íntima, alternando entre la acción panorámica, filmada en exteriores “in situ” y los encuentros en primer plano, mayoritariamente rodados en el set de Hollywood, enfrentando a sus actores entre si en cuadros estrechos, provocando una física proximidad, tan a menudo, como bailan casualmente uno alrededor del otro entre enfrentamientos verbales de combate. Cuando “Mary Kate” comienza a entretener los avances románticos de “Thornton”, y finalmente se enamora de sus encantos en conflicto, John Ford afloja su control sobre el drama, permitiendo que la corriente cómica que había surgido esporádicamente, finalmente subvierta los impulsos apasionados de los personajes. El clímax de la película con esa larga pelea a puñetazos, hilarantemente exagerada, entre Wayne y McLaglen, suavizan la gravedad del drama mientras aviva el espíritu romántico de la búsqueda personal de “Thornton”.

Diseñada como una reminiscencia por el casamentero y conductor de la calesa del pueblo, un brillante Barry Fitzgerald, es una balada lírica larga en verdor espléndido y caras teatrales caprichosas, así como la conciencia y la voluntad de hierro que ocultan. El director de Maine, un narrador de historias casi sin esfuerzo, factura simplemente un triunfo de la estrategia de composición coordinada por el color y la lente. Dejando una de las destilaciones más puras de la diversa naturaleza artística de este carismático cineasta.

El ganador del Óscar en 1952 realiza un homenaje a Irlanda que existe solo en la imaginación de compositores y poetas como Ford, un lugar de hadas donde la gente realmente “da fe y mendiga”. Un film maravilloso, con un maravilloso reparto encabezado por el impagable Barry Fitzgerald como el ayudante “pixieish” o duendecillo, de un Wayne que responde a todas las demandas del carácter vigoroso y físico, bajo la dirección de John Ford.

Esta película conforma un robusto drama romántico, para convertirse en el milagro del cine eterno, inabarcable, gracias a un cineasta que acaricia sus imágenes, que ama a sus personajes y que convierte la magia del cine en la vida misma.

Y así finaliza la sesión de hoy en El diván de Louis Cypher, a la espera de próximas visitas, como siempre, os deseo buen cine … y mucha suerte.

Lenny (Bob Fosse) 1974

LENNY 

(Bob Fosse, 1974)

Después del gran éxito que obtuvo con “Cabaret”, que incluyen 8 premios Óscar, el siguiente proyecto que abordaría Bob Fosse en 1974, iba a retratar a uno de los cómicos más famosos de la historia, Lenny Bruce. Una arriesgada biografía sobre uno de los pioneros de la comedia de monólogos en Estados Unidos, conocido por su talante combativo, contracultural y políticamente incorrecto. Un film, rodado de principio a fin en blanco y negro que provocó reacciones divididas entre los admiradores del cómico, ya que incide especialmente en su drogadicción y otros aspectos poco agradables de su vida privada.

La película, que relata los principios de Lenny Bruce como cómico, y su posterior ascensión, además de su vida personal y las polémicas en las que se vio envuelto, nos sitúa en el Baltimore de 1951. Hot Honey Harlow, una bailarina de “striptise”, conoce a Lenny Bruce, un cómico de la misma ciudad, en una cafetería y ambos se enamoran. Desde ese momento se convierten en inseparables y sus relaciones continúan en Miami, donde Honey empieza a trabajar. Un día, y pese a las advertencias de su agente, Artie Silver, y su madre, Sally, Lenny se casa con Honey. A requerimiento de su marido, Honey deja su trabajo y ambos deciden montar un número cómico que presentan en el Club Catskills. Al tiempo, Sherman Hart, el showman más destacado del país, avisa a Lenny de que su repertorio puede que sea demasiado corrosivo para la clase media habitual que suele asistir a estos espectáculos. 

En un principio Lenny escucha su consejo, pero, en el último minuto de su show, cambia de idea y comienza a insultar al público, que se arranca a carcajadas. Esa misma noche y tras el éxito del cómico, el matrimonio sufre un accidente y Hot Honey resulta herida de gravedad. Al salir del hospital, descubrirá que su esposo se ha estado viendo con una enfermera. Desde su primer show el cómico, deja claro que es una figura a tener en cuenta. Armado con un poderoso y escandaloso discurso y con una bailarina de “striptease” como musa, Lenny revoluciona la comedia y a todo el país con su áspero y ofensivo humor, pero la vida de los bares del circuito de la comedia comienza a hacer mella en él. 

Las drogas y arrestos policiales por el contenido de sus actuaciones pesan demasiado a este paladín nada convencional, pero no le impiden llegar a unos extremos que le conducen a su trágico final, convirtiéndose en todo un mito, que tras trabajar en clubes nocturnos y locales de dudosa reputación, termina alcanzando la fama por su verborrea ácida, crítica e incisiva, que tal como se ha comentado, en más de una ocasión le causará problemas con la justicia. Una vez fuera del escenario, las risas se apagan, la relación tumultuosa de drogas y sexo poco convencional con su esposa, que terminaran por separarse y su cada vez mayor dependencia de las drogas convierten poco a poco su vida en un infierno, y termina muriendo de una sobredosis.

En esta biografía sobre el famoso humorista norteamericano creador de una fórmula de éxito basada en monólogos en directo frente al público con la única ayuda de un micrófono, el realizador no se rodea de números musicales ni de vestuario glamuroso. Narrada de manera sobria y sin efectismos, retrata una de las figuras más controvertidas del mundo del espectáculo, debido a su mordacidad en los chistes y a las críticas sistemáticas a toda la sociedad. Hecho que le valió ser el blanco de todas las críticas de los grupos religiosos, políticos y moralistas en los años cincuenta. Es este también, un retrato mordaz sobre la lucha contra la censura y la hipocresía del conservadurismo de mente pueril que tenía un terrible afán por controlar las masas, ya que tal como decía, “parece que cada vez nos gusta más hacernos los ofendidos”, y por lo políticamente correcto y por el avance de la ultraderecha. Para el cómico eran malos tiempos para el humor y la libertad de expresión, algo que terminaría por acabar con su vida. Aunque no siempre se repite la historia, ni en su entusiasmo ni en su desconcierto, hay que reconocer que como seres limitados y efímeros, hay circunstancias en el tiempo que se asemejan mucho a las disquisiciones de la actualidad, y no está de más reconocerlas o sacarlas a la luz de nuevo.

La subversión es quizás el objeto principal de la historia, una subversión que proviene del lenguaje.

Un arma que puede sea la más poderosa que se conoce hasta ahora. Tal cómo el propio Lenny explicaba: “La clave está en la omisión. Si hablas de ello, eres el peor miembro de la comunidad, pero para que una palabra no haga daño hay que decirla y decirla, escucharla y escucharla hasta que su diabólica intención desaparezca”

Al igual que la Historia, la literatura o el periodismo, el cine nos ayuda con estas curiosidades y a través de la cámara de Bob Fosse, disfrutamos de un enorme Dustin Hoffman en su interpretación de Lenny Bruce. Con un guión impactante de Julian Barry, que adapta su propio libreto teatral, el realizador nos introduce en la vida de este genuino símbolo del “stand up”, quizás el más famoso y polémico cómico norteamericano de los años 60. Tras la muerte del cómico, una serie de entrevistas recogen los testimonios de su ex-esposa, Honey a quien da vida la actriz Valerie Perrine, su madre, Sally Marr, interpretada por Jan Miner y su agente Artie Silver, rol que recae en Stanley Beck, con el fin de conocer su vida. Una vida que discurre entre cabarets, locales de “strippers”, antros nocturnos y droga, donde Bruce ejerce su humor cada vez más corrosivo provocador, hiriente y políticamente incorrecto. Un humor que acaba convirtiéndose en protesta contra la simple y boba sociedad norteamericana y su falsa bonhomía, y que terminará por costarle demasiado caro.

Es este un “biopic” lúcido y contundente sobre un comediante con una carrera deslumbrante y controvertida. Un individuo que sacudió a la sociedad con la crudeza de su lenguaje y la virulencia de su discurso. Una victima de la libertad de expresión, victima de la interpretación errónea de un público y una sociedad que, a pesar de reírle u odiarle, no logra comprender su exposición, su discurso anti segregacionista, anti credos, ante beatería sexual y anti hipocresía.

Sin ningún tipo de concesiones, el director deconstruye la historia en dos argumentaciones lineales: las entrevistas y la acción, tomando prestadas las técnicas del documental y valiéndose de la excelente fotografía en blanco y negro de Bruce Surtees, quién ofrece una imagen sin florituras, puesta al servicio únicamente de la historia, sin doble intención y que permite a Bob Fosse jugar y perfeccionar su estilo, tanto en la planificación de las imágenes así como el sonido. Completa el apartado técnico una banda sonora excepcional de Ralph Burns, que Fosse apoya con su particular homenaje al jazz genuino con unas maravillosas interpretaciones de Miles Davis.

Por supuesto, esta es, además de por la dirección de Bob Fosse, la película de Dustin Hoffman, que nos deja una inmensa interpretación, contenida, transparente, alejada de histrionismos, muecas y gestos. Sobrio, sincero inusual e imaginativo, Hoffman, desarrolla un trabajo brutal y conmovedor sobre el personaje de Bruce, un genio de altos vuelos con una personalidad a veces contradictoria y que por tanto tampoco se salva, especialmente por su extraordinaria facilidad para manipular más allá de las palabras, también a los que le rodean. No se puede tener todo y en el trabajo de Hoffman quedan claras las debilidades e imperfecciones del protagonista. Esta actuación, totalmente convincente incluso en las escenas donde tiene que ser cómico y contar monólogos, fue merecedora de la nominación al Óscar, que terminaría obteniendo. 

También fue nominada por la academia al galardón, su compañera de reparto Valerie Perrine, quién está muy convincente como su esposa, un trabajo que la llevaría a obtener el premio como Mejor Actriz en el Festival de Cannes.

Estamos ante una película perfecta si se desea reflexionar sobre los límites, del humor en este caso, sobre las trabas a la expresión, sobre los progresos o deterioros de la libertad o más concretamente sobre si está también superada hoy en día una de las frases que podemos escuchar en la cinta: “¿Podrían creer que las palabras que llevaron a Lenny a tantos juicios hoy sean parte de cualquier repertorio cómico sin ningún problema?”.

Estamos ante una más que notable película, que muestra un retrato mordaz sobre una obsesión, la de la lucha contra la censura y la hipocresía del conservadurismo de mente estrecha. Una cinta que de alguna manera transita por los mismos territorios que films como “Network” de 1977, dirigida por Sidney Lumet y “Talk Radio” rodada por Oliver Stone en 1988.

Una fantástica película, que el coreógrafo y director nacido en Chicago en 1927 y fallecido en la ciudad de Washington en 1987, firmaba para dejar una trío monumental para la historia del celuloide, junto a la ya mencionada “Cabaret” de 1972 y su otro gran musical, “All that jazz”, de 1979, en la que el actor Roy Scheider interpretaba al propio coreógrafo, e inspirada en el intenso periodo de edición de “Lenny” y mientras simultaneamente preparaba el musical “Chicago”, para Broadway en 1975.

“Hasta los diecisiete años sufrí un trauma, siempre creí que mi nombre era Cállate”.

(Lenny Bruce)

Aquí termina la sesión de hoy en El diván de Louis Cypher, hasta una próxima ocasión, como siempre, buen cine...y mucha suerte.